rutasdelamúsica

Mashup un nuevo género musical arrasa en las fiestas más chic

2009-12-18T10:18:00.000-08:00

El Cóctel de música está servido. En los ambientes más exclusivos nunca faltan las últimas tendencias tecnológicas y musicales. Mezclar la letra de una canción con la melodía de otra para crear un nuevo género musical nacido en internet. Mashup en la música, donde los sonidos convergen.

La última de las excentricidades en la música, una aplicación electrónica que combina varias canciones. Divide y crearás así se conoce al fenómeno mashup en la música. La historia de su nacimiento no está muy clara. Se atribuye la creación a un Dj que se encontraba en la puerta de una discoteca. Cada vez que el portero abría y cerraba, se escuchaba la música mezclándose con los sonidos de otras discotecas de la zona. Hay sin embargo quien relaciona el nacimiento con el primer mashup significativo que fue la mezcla de Freelance Hellraiser mezclaba el Genie in the bottle de Christina Aguilera con Hard to Explain de Strokes conocido como A Stroke Of Genie-us y que fue emitido por en una radio en Londres.

Como mashup se conoce en la web a una aplicación informática que se sirve de otras para crear un contenido nuevo. De este modo se combinan datos de diferentes páginas web o blogs revolucionando la forma de publicar en internet. Pues bien este fenómeno aplicado a la música consiste en fusionar diferentes pistas de audio con la letra de otra canción para crear una nueva. El resultado, ingeniosas mezclas o extrañas excentricidades.

El fenómeno es apadrinado por famosos Djs como los hermanos David y Stephen Dewaele, (2manyDJs). La última moda es organizar fiestas donde lo único que se pincha es música mashup. El club DNA Lounge de San Francisco únicamente pincha música convertida y mezclada con estos criterios. En España todavía son pocos los locales que apuestan por este arriesgado estilo musical, pero empiezan a encontrarse eventos y llamadas en las redes sociales apostando por la fusión musical.

Las creaciones dance, que fusionan estilos parecidos son muy aclamadas. Gwen Stefani con Madona, What You Hung Up For, Rihanna vs. Ludacris, Umbrella Stand Up o Hilary Duff vs. Black Eyed Peas, Stranger Humps son algunas de las creaciones más famosas.

Sin embargo cuando la fusión trata de poner en la misma pista de audio smeel like teen the spirit con Billie Jean, el resultado es bien diferente. Queen con Outkast, conocido como Hey We Will Rock You Ya, o la música de Kanye West con su Gold Digger y la 5º sinfonia de Beethoven. La mezcla de grandes clásicos de la música produce el rechazo no sólo de los artistas sino también de muchos usuarios en la red. Si se trata de un mero plagio, o un uso indebido de los derechos de autor todavía está por ver. Las demandas por los derechos de autor cuando un mashup adquiere popularidad son inevitables. Las primeras en reaccionar han sido las discográficas.

Además, muchos artistas del panorama musical que a pesar de haberse declarado en contra de este fenómeno ha utilizado bases de otras canciones para crear nuevos singles que han triunfado en las pistas de baile.

Podemos encontrar significativos parecidos entre canciones tan dispares como Tengo para ti de Marta Sanchez y Just can't get enough music de Depeche Mode. O el último éxito de David Guetta, I got a feeling, en el que utiliza una base de un tema propio, Love is gone, haciendo una remezcla de sí mismo, que sin embargo no ha resultado tan evidente para el público.

Y ahora Depeche Mode

“Es excepcional que las discográficas apuesten por algo que no sea comercial 100%”

2009-12-13T10:17:00.000-08:00

La controversia está servida: indie comercial o música alternativa. Hacerse un hueco en el salón de la fama no es sencillo. La música independiente se ha popularizado en los últimos años. Sin embargo, la esencia de lo indie reside precisamente en los grupos más desconocidos que se abren paso en el panorama musical. Esta semana, charlamos con Niños Mutantes incondicionales del movimiento.

En España, lo indie está de moda. Niños Mutantes, compuesto por Nani Castañeda (batería) Miguel Haro (bajo, coros), Andrés López (guitarra, voz) y Juan Alberto Martínez (guitarra, voz), estrena disco en la web. En la página del grupo puedes descargarte el nuevo single, escuchar canciones de su último trabajo, o ver sus concier tos en el canal de youtube.

Fotografías Niños Mutantes. Antonio García Olmedo para EL PAÍS

Pregunta: ¿Cómo afecta el tema de Internet al mercado discográfico español? Es más fácil darse a conocer, pero también se venden menos discos consecuencia de las descargas ilegales?

Respuesta: Aún no tenemos perspectiva para saberlo. Está claro que si mañana grabo una canción la puedo colgar en un myspace, pero eso no garantiza que nadie la escuche. Quizás es una difusión ilusoria. Para grupos que ya somos algo conocidos creo que sí ha aumentado claramente el número de gente que nos escucha. Es decir, beneficia a quien tiene cierto nombre, pero no lo tengo tan claro para quien empieza.

La música de Niños Mutantes suena valiente. Sus influencias, de los más variado, clásicos como Rolling Stone y The Beatles y alternativos como Nirvana, Radiohead y Ramones. Su estilo muy personal. Reconocen con sano orgullo tener presente la música de Los Brincos, Raphael o Franco Batiatto, en esta explosiva mezcla se cuece la salsa de Niños Mutantes. Nada más difícil que enfrentarse al mercado de la música en España, sin embargo la banda granadina se abre camino. Su último trabajo “No puedo más contigo” está siendo muy bien valorada por los medios, y aceptado por el público.

Local de ensayo. Foto Benet Román

Sin embargo enfrentarse al mundo discográfico no es sencillo. Con la polémica Ley “Antidescargas” presente, les preguntamos sobre la situación del panorama musical en España.

P: ¿Cómo describiríais la situación actual del mercado discográfico español?

R: Confusa, son tiempos de cambio. Las cosas se van aclarando, está bastante claro que los formatos físicos van a desaparecer, excepto el vinilo, que quedará para fetichistas y nostálgicos. Las discográficas casi mueren con la difusión gratuita en Internet por intercambio de archivos descontrolado. O consiguen que los gobiernos acaben con el intercambio gratuito o mueren del todo.

P: ¿Cuáles son los pasos que debe dar un músico en España hasta ver publicado su trabajo?

R: Actualmente imagino que tienen que ser muy activos en las redes sociales para darse a conocer. Pero lo más importante es que hagan buena música y tengan muchas ganas de que se conozca, como siempre.

P: El Mercado independiente tiene sus riesgos. ¿Habéis presentado vuestro trabajo a alguna discográfica comercial?

R: Nuestro último disco salió con la editorial de EMI con una buena inversión por su parte. Intentamos también ver si salía con su discográfica, pero no les interesó. Es muy raro que un grupo como nosotros salga con una multinacional. Hace años, quizás. Hoy en día es excepcional que apuesten por algo que no sea comercial 100%.

P: La discográfica Astro es uno de los sellos referentes en la escena independiente española, trabajar con ellos es elección o necesidad.

R: Fue nuestro primer contacto a nivel discográfico y hemos estado diez años juntos, hasta que nos hemos divorciado recientemente.

No fue elección, porque no llegamos a llamar a otras puertas. Hubo interés mutuo desde el principio hasta el final. No la hubiéramos cambiado por una compañía más grande en la que no hubieran sido fans acérrimos nuestros, como en Astro.

P: Vender discos está complicado. Y para aparecer en algunos medios hay que sacar el talonario. ¿Creéis que es posible triunfar en España si no suenas en medio como Los 40 Principales?

R: Nunca hemos pagado por sonar, ni nuestra compañía tenía pasta para intentarlo. Existen otro tipo de favores que están a la orden del día. No sólo se trata de pagar, sino de contratar publicidad, etc.… pero, como digo, no estaba a nuestro alcance por cuestiones de presupuesto. Aún así, es posible triunfar de otras formas. Mira Vetusta Morla o Russian Red, por poner dos ejemplos.

Nos despedimos, esperando volver a ver y oír pronto su rock alternativo , provocativo y escuchar el fantástico directo de Niños Mutantes en próximos conciertos.

La banda revelación Arizona Baby actúa en Madrid

2009-11-30T04:03:00.000-08:00

Entre el sonido del espagueti wester y el sóul, a medio camino entre Jhony Cash y Quentin Tarantino, encontramos un nuevo sonido a rock and roll. ¿Recién llegados desde el polvoriento desierto de Arizona? No. Este grupo que suena a country y folk americano viene de Tudela del Duero, Valladolid. Su música nos traslada al lejano oeste, con un sonido a película de Monricone y estilo rockabilly.

Javier Vielba, Rubén Marrón y Marcos Úbeda son los integrantes de la banda. Con un estilo cowboy una caja y dos guitarras acústicas consiguen transportarte desde cualquier punto del planeta hasta las polvorientas tierras del desierto de Arizona.

Arizona Baby se ha ido haciendo un hueco en el panorama musical el último año. Han sido muchas revistas musicales las que han elogiado y recomendado el trabajo de los vallisoletanos. En el último año además, la prensa se ha hecho eco de su presencia y de su arriesgada apuesta musical.

Cartel Arizona Baby

“Second to None” es el segundo disco de la Banda, que tras haber publicado Songs to sing Along en 2005, puso rumbo a Londres en busca de fortuna. Sin embargo el preciado oro de la fama ha llegado tras su aparición en los conciertos de Radio 3 y su actuación en festivales independientes como Sonorama, Valladolindie o su participación con L.A. en el Día de la música Heineken.

Cartel Vallodolindie. Concierto Arizona Baby sala Mambo

Pero la fortuna no ha sido casual. Desde su aparición en escena en 2005, con “Songs to Sing Along”, han sido muchos los seguidores que el grupo atesora. De este disco que únicamente se vendía en sus conciertos se llegaron a despachar más de 2000 copias.

La noche del sábado se pudo disfrutar en Madrid del grupo en directo. El Búho Real, la sala escogida, acompaña para crear una sensación intimista entre el espectador y las guitarras de Arizona Baby, que convence sin problemas en las distancias cortas. Con un sonido mínimo de percusión, y escondidos tras tres espesas barbas, con la voz ronca, y un espectacular Western swing a penas se han apagado las luces consiguen meterse al público en el bolsillo con seis palabras: «somos Arizona Baby, bienvenidos al desierto».

La próxima ocasión para disfrutar de su música y su talento el 3 de diciembre en Valladolid. Además, no hará falta esperar mucho para ver las botas de los Arizona Baby empujar las puertas de la sala Moby Dick, la próxima cita con Madrid será el 21 de diciembre.

BSO relacionada

La Banda sonora de la semana es de Carter Burwell, imprescindible en las películas de los hermanos Cohen. Se trata de la composición realizada para la película Raising Arizona, que en España recibió el nombre de Arizona Baby. La canción “Raising ukeleles”(video) es las más conocida de la película sin embargo merece la pena destacar “Way out there”, entre el lejano oeste de la baja California, Ukeleles, percusión y sonido acústico de bajo y el irreverente punto cómico de los Cohen.

Muchos lo conocerán por la reciente creación de Burwell en el score de la Película Twilight (video) (Crepúsculo). El autor hace gala de su fama de compositor ecléctico para poner sentimiento al piano a la conocida película adolescente.

El Festival Sónar 2010 se celebrará en Barcelona y Coruña

2009-11-22T10:23:00.000-08:00

El Sónar se viste de Peregrino. Por primera vez desde su creación el Festival de música electrónica Sónar se celebra simultáneamente en dos ciudades. Con actividades en Barcelona y Coruña, la organización ha confirmado las fechas para el próximo mes de junio.

El próximo festival Sónar 2010 se celebrará el 17, 18 y 19 de junio, la sorpresa de esta edición es la celebración del Sónar Galicia. Desde que en 1994 se creara el Festival Internacional de Música Avanzada y Arte Multimedia, es la primera edición que no se celebra íntegramente en Barcelona.

Habitualmente las actividades principales: actuaciones musicales, conferencias y exposiciones, Dj´s y cine se concentran en el barrio del Raval, en el Centro de Cultura Contemporánea, en el centro de Barcelona. Sin embargo, en esta ocasión la música electrónica recorre el Camino de Santiago, para celebrar una edición simultánea en A Coruña. (Fotografía, Sónar 2009)

Según la organización el motivo principal ha sido la coincidencia del año X ac obeo. La promoción que se ha hecho del Sónar Galicia, hasta el momento, resulta inquietante. Nos narra el viaje de dos fantasmas a caballo hasta el fin del mundo en forma de largometraje.

A través de seis capítulos y un epílogo llamados Finisterre (02:10) narra la historia del viaje del Sónar hasta Coruña. La historia se sitúa en el Camino de Santiago, para llegar hasta el fin del mundo, Finisterre, y una vez allí, “comenzar una nueva etapa terrenal y efímera” tal y como han explicado en la página web del Sónar.(Fotografía escena del largometraje Finisterre)

Los organizadores no han confirmado si esta nueva versión del Sónar se mantendrá en los años sucesivos, lo que sí es seguro es que contará con un Sónar de Día y un Sónar de noche. En su versión diurna, encontraremos programación musical y áreas multimedia donde serán protagonistas los artistas gallegos del panorama de la música electrónica. En el escenario de noche se concentrarán artistas internacionales con dj´s y músicos españoles, aunque todavía está pendiente de confirmarse la programación del festival.

El Sónar no es el único festival que se ha sumando a la moda del desdoblamiento en varias ciudades. El festival Summercase o Primavera Club ya han optado por este modo de promoción.

Escenario SónarLab 2009

La celebración simultánea ha producido el rechazo de un gran número de seguidores que no podrán acudir a ambas citas. Y, para añadir más leña a la polémica se apunta a la crisis como motivo principal de la celebración del Sónar Galicia. En la pasada edición del festival Sónar 2009, se suprimieron varios escenarios por motivos económicos. Por lo que la organización, aprovecharía la afluencia masiva, con motivo del año Xacobeo para promocionar el festival.

Para poder ver y oír los resultados de esta nueva iniciativa tendremos que esperar a junio de 2010.

La última estación para un pez de escenario

2009-11-15T05:59:00.000-08:00

No es una despedida. Sabina no se retira, pero anuncia que ésta será la última vez que haga una gira a lo grande. Su último trabajo, “Vinagre y Rosas”, apela al oscuro encanto de Praga, al amor cuando se acaba, es un disco crepuscular. Sin embargo, como reza el último verso del primer single Tiramisú de Limón, el final no empieza hoy.

Es imposible rechazar este dulce. Para cocinarlo han hecho falta varios maestros reposteros y un jefe de cocina de excepción, Joaquín Sabina. Para escribir los poemas que ponen letra a cada uno de los temas, el autor ha viajado hasta Praga acompañado del escritor Benjamín Prado. El motivo del viaje, salir de la rutina, conseguir que el dulce fuera amargo, buscar las palabras que consiguen hacer de cada canción pura literatura.

"Me acuerdo que estábamos en los diablos azules y me dijo oye Benja, aprovechando que tú estás hecho polvo ahora mismo, y te has peleado con una novia, por qué no nos vamos por ahí, al sitio del mundo que tú quieras y escribimos un disco entero de canciones de desamor".

Imagen del disco Vinagre y Rosas de Joaquín Sabina

El proceso creativo se describe en el libro publicado por Benjamín Prado “Romper una canción”.

A la textura concentrada de las letras que componen el disco, la frescura de los artistas que acompañan al autor en este viaje. El grupo Pereza, que aparece en el primer videoclip del album, ha puesto el punto macarra y desenfado a un disco que según Sabina, en una entrevista con Iñaki Gabilondo, había quedado “densamente literario”. El grupo de Rock acompaña al autor en los sencillos Tiramisú de limón y Embustera.

El resto de los temas, acompañado “de los de siempre”. La música, cocinada a fuego lento en Rota, con el toque indiscutible de Pancho Varona, José Antonio Romero y Antonio García de Diego.

Un menú de alta cocina. Sólo Sabina podía maridar tiramisú con vinagre. El mismo vinagre, que escuece en las heridas de siempre, pero cosecha del 2009. La rosas, el sabor agridulce que deja en el paladar cada canción, o “la memoria del amor”, en palabras de Sabina en la entrevista del programa Hoy por Hoy, que resuelve profundo y desairado, el carácter del disco. Los 14 temas, se debaten entre el Sabina de siempre y el nuevo.

Pasada la convalecencia del Alivio de luto, han pasado cuatro años desde el último disco de Sabina, hay que “de-construirse”, buscar en lo viejo pero sin llegar hasta lo más profundo. Porque desde la Tranquilidad doméstica, así definía Sabina su actual estado, se está muy bien para vivirla y disfrutarla, pero no para contarla. Por eso el disco nace en Praga, la ciudad de Neruda, con un ruego a la Virgen de la amargura, aunque esta no sea la primera canción de un disco que como las grandes tragedias empieza por el final.

(Joaquín Sabina) "… es verdad que nos hemos peleado gozosamente por una coma, o por una tilde y es verdad que hemos vuelto más amigos de lo que fuimos". "Los camareros de Praga pensaban que eran maricones, y tenían razón".

Lo mejor, para el público, del milagro por lo civil de los dos genios que han compuesto cada canción, que su historia de desamor acabe en una habitación ventilada. Para disfrutarlo en todo su sabor hay que esperar al 17 de noviembre, el anticipo de su música, letras y fotografías en El país.com.

This is Michael Jackson

2009-10-31T11:46:00.000-07:00

“Dios, por las noches me ha dicho como debe ser el show”, “Michael por las noches deberías dormir” “No puedo, si lo hago, se lo dirá a Prince”. Excentricidad en estado puro. Sólo el Rey del Pop, podía llegar tan lejos. Emocionante, This is it, reaviva la nostalgia, y recuerda en cada escena que lo ya no podrá ser. No es sólo un show, es EL SHOW.

Para hablar de Michael Jackson sólo puede hacerse en términos absolutos.

El espectáculo más vibrante y original que jamás se ha visto. No podía esperarse menos del Rey del Pop.

No dejan de sorprender las imágenes en las que se puede ver a un Michael agotado durante los ensayos. Cómo podría haber afrontado una gira, que tras las ampliaciones anunciadas en rueda de prensa en Londres, se extendía del 8 de julio hasta el 12 de febrero del 2010. La cuestión añade aún más polémica a la muerte del cantante. Hacer de la tragedia un show, una constante en la vida de Michael Jackson. Imagén de los ensayos

Como para deslumbrar a sus fans y cargar a los meros curiosos. Con Michael Jackson no hay medias tintas. El film emociona, pero esta tarea era sencilla. En los ensayos, los bailarines de Michael Jackson que superaron un durísimo casting, fanáticos del rey del pop, se muestran entusiasmados por su mera presencia. Los músicos, respetan cada una de sus indicaciones. Michael revisa cada acorde al milímetro, cuidando da sonido. Su trup lo idolatra, los fans lo veneran.

Michael Jackson el último día de ensayo

Bailarines de This is it en la Premier

Sonido en directo, una fantástica puesta en escena y unos espectaculares efectos especiales, todo ello avivado sobre el fuego de tratarse de la última actuación de Michael Jackson.

El espectáculo es una oda al mito, y un regalo para los mitómanos. Rita Hepburn, lanza su guante a Michael Jackson mientras canta “put the blame on mame” como clip introductorio a Smooth Criminal. Jackson vuela sobre el escenario subido en una grúa giratoria mientras suenan los primeros acordes de Beat it. El público hubiera enloquecido al llegar uno de los momentos más esperados, Thriller, que resucita a los zombies más famosos y baile del videoclip.

Sólo un tema de la película no ha necesitado de adorno alguno, Billy Jean. Todo el equipo paralizado observa a Michael ejecutar los pasos que le dieron la fama. Lleno de energía nos transporta en el tiempo hasta el 25 de marzo de 1983, Motown el 25 aniversario, donde demostró al mundo que era mucho más que un cantante de pop. Este gran día para la música, lo fue también para la danza, por primera vez Michael exhibía al mundo el Moonwalk, un paso que llegaría a ser eterno.

Michael hace gala durante los minutos, de su carácter “sencillo” y su amor por todos los que le rodean. Emocionantes acordes, casi 30 años después, su música sigue viva. Sus sueños inspiraron al mundo: el amor es eterno, Michael Jackson también lo es. Esto es todo.

BSO relacionada

La BSO de esta semana es irremediablemente “This is it”.
Imposible obviar el hecho de que tan sólo hace un año uno de los discos más vendidos fue precisamente un recopilatorio de Michael Jackson. This is it ha batido todos los récords de ventas unido al hecho de que únicamente un 5% de las entradas de la gira fueron devueltas. Michael Jackson sigue siendo un valor en alza. El disco no está exento de polémica a causa de la publicación como inédita de la canción This is it. La única canción inédita del álbum póstumo, fue compuesta por Michael Jackson y Paul Anka en 1983, y publicada por la cantante Safire. El CD viene acompañado de un libreto con 35 fotografías del cantante. Un objeto de culto para fans.

Detalle del carte de This is it.
La luz a través de los pies de Michael Jackson dibuja una corona

EEUU y la tortura, la misma música de siempre

2009-10-25T15:08:00.000-07:00

Música que atraviesa en mitad del silencio de la noche. Heavy o Britney Spears suenan a un altísimo volumen, sin descanso durante días. Estos son algunos de los métodos que el gobierno de EEUU ha usado en sus torturas a presos de Guantánamo. Semanas después de conocerse algunos de estos datos un colectivo de artistas protesta por el uso de sus obras para la tortura.

Tan necesaria como respirar aire puro, o el sol sobre nuestras cabezas. La música nos transporta, nos divierte, nos relaja, es más, nos hace libres. Pero como todo, en su justa medida. Si el nocturno nº de 9 de Chopin, que describe una noche calmada, nos sorprende en mitad de la noche y sonando a todo volumen, no podrá por menos que desconcertarnos. Cuanto más, si en vez de esta pieza clásica lo hace Sweet dreams de Marylin Manson o I love you, la canción de Barney el dinosaurio.

Prisioneros en Guantánamo

Nada más siniestro que utilizar la obra de alguien que trata conmover con su música para destruir a otro ser humano. Los músicos no han tardado en pronunciarse. La ONG Reprive apoya el movimiento de los artistas reclama al gobierno de los EEUU que haga público el listado de canciones, que fueron utilizadas para el tormento de los presos. La publicación de algunos datos clasificados ha llevado a los artistas a solicitar la publicación de los listados oficiales.

Dentro de contenedores aislados los presos eran obligados a escuchar durante horas, incluso días canciones de Barrio Sésamo, Cristina Aguilera, o Metallica. Los volúmenes atroces. Por debajo del máximo que podría reventar el tímpano. El único objetivo anular al prisionero, obtener información.

La Ley federal, revisada en 1996, sobre la Libertad de Información dispone que la información del gobierno estadounidense debe ser accesible a todos los ciudadanos. Así, la información referida a las torturas en Guantánamo no puede calificarse como privilegiada. La reclamación liderada por los carismáticos : REM y Pearl Jam ha sido apoyada por numerosos grupos en EEUU.

Tom Morello líder de la banda Rage Against the Machine manifestó:

Tom Morello Rage against the machine

"Guantánamo es conocida en todo el mundo como uno de los lugares donde los seres humanos han sido torturados, mediante la reproducción de música durante 72 horas a un volumen apenas inferior al de romper los tímpanos. Guantánamo, puede ser la idea de Dick Cheney de los Estados Unidos, pero no es la mía. El hecho de que la música que yo he creado sea utilizada como una táctica en contra de la humanidad me enferma - tenemos que acabar con la tortura de Guantánamo y cerrarlo ahora”.

Pearl Jam

Muchos han sido los artistas que han apoyado la candidatura de Obama, que prometía durante su campaña el cierre de la base militar de Guantánamo. Ahora estos mismos músicos exigen transparencia en el procedimiento de su cierre.

La música conmueve y mueve nuestros sentidos

Incluso el origen etimológico de la palabra, Musa, alude a la inspiración. La música es la mejor arma para conmovernos, excitarnos o exaltarnos. Su uso terapéutico forma parte de las evidencias psicológicas ampliamente demostradas.

"La música juega con nosotros, poniéndonos tristes, alegres, locos o pensativos;tornándonos a su voluntad más ardientes, profundos, más tiernos o más fuertes". (Paul Valery)

El dominio de la voluntad es el objetivo que se trata de conseguir mediante la tortura. Producir estados de tensión mientras se duerme, una profunda sensación de estrés constante, odesequilibro crean en el recluso el efecto de sentirse anulado. Resulta más sencillo inducirá una persona a revelar información cuando sus capacidades intelectuales se encuentran mermadas o su estado anímico se ve gravemente afectado.

La Organización Mundial de la salud ha indicado que 65 decibelios (dB), es el límite a partir del cual el ruido se considera inaceptable. El reconocimiento del ruido como un peligro, por parte de OMS, para la salud y los efectos que su exposición prolonga pueden producir, son un hecho. El oído humano responde a la frecuencia del sonido (medida en hercios, Hz) como a la presión acústica, medida en decibelios (dB). Desde problemas auditivos hasta hipertensión, cardiopatías, síntomas psiquiátricos, estados de perturbación del sueño y stress crónico entre otros. Sonidos por encima de 80 decibelios pueden incrementar el comportamiento agresivo.

Bombarderos acústicos

Se trata de una práctica reiterada por EEUU. Una de las primeras ocasiones en que la sociedad tuvo conocimiento de este uso de la música como tortura fue para provocar la rendición del entonces presidente de Panamá, Manuel Noriega. El bombardeo acústico y el aislamiento sensorial, son algunos de los medios no letales con que prisioneros de Iraq y Guantánamo, han sido torturados. La BBC denunció el uso canciones infantiles y música heavy como tortura fue denunciado en 2003 por la BBC. De este modo se obliga a los reclusos a revelar secretos “sin violar” ninguna ley de EEUU.

Tortura sin contacto. Es una práctica difícil de probar y no deja marcas en los detenidos. El estudio de la técnicas de la tortura mediante la música tiene como principal sujeto al gobierno de los EEUU. El sistema consiste en desintegrar la personalidad de los presos. Se induce mediante canciones infantiles, una regresión a un comportamiento infantil o a una esquizofrenia inducida de modo que psicológicamente se encuentra indefenso. De este modo es más sencillo derrotarlo, acabar con su capacidad de resistir.

El siguiente video es un duro y desgarrador testimonio de un ex preso de Guantánamo.

BSO relacionada

“Cockwork orang” Un ejemplo cinematográfico de cómo la música tiene el poder de incidir en el comportamiento humano.

En la línea del artículo de esta semana, la memorable BSO de la película de Stanley Kubrick “Cockwork orang”. La razón de que haya puesto el título en inglés es que la traducción desvirtúa su esencia misma, ya que no debería traducirse por “La naranja mecánica” sino por “El hombre mecánico”. 'Orang' proviene de la palabra ourang que en idioma bahasa malasio significa, hombre, muchacho y no de la palabra Orange que en inglés se taraduce por naranja.

Una gran composición musical que esta obra maestra del cine nos ha legado:

Además de las composiciones originales podemos escuchar versiones adaptadas y sintetizadas. Uno de los aclamadas adptaciones de Wendy Carlos es la llamada "Beethoviana", sobre la base de la Novena Sinfonía de Beethoven". Este estilo musical, electrónico, nos trae a la memoria a otros genios compositores que han prestado su savoir faire al cine, como por ejemplo, Vangelis, en Blade Runner aunque éste, ya es otro tema.

El programa de RTVe “Días de cine” (minuto 6:26) plantea una posible interpretación de la música del film en relación con su uso para modificar la conducta y la tortura con la que coincido plenamente. Un gran análisis de una compleja película.

Los vinilos superan en ventas al CD

2009-10-18T07:15:00.000-07:00

Diez años de giros tecnológicos para volver al punto de partida. Ya no se trata de una pieza de colección o del último resquicio para los amantes de lo retro. El disco de vinilo ha vuelto para quedarse. Son muchos los artistas que han lanzado sus nuevos trabajos en este formato, y es que las ventas anuales anuncian que la inversión en el LP no es una moda pasajera sino un negocio en alza.

Las estadísticas de ventas en EEUU de éste soporte musical en el último año, revelan un aumento del 89% respecto de años anteriores mientras que el CD apenas ronda las 5000 copias entre los artistas superventas. Aún así, la facturación de 22,9 millones de dólares no puede equiparase a los 7,5 mil millones facturados en ventas de CDs. A pesar de esto, y teniendo en cuenta la tendencia creciente en ventas son muchas las empresas que apuestan por resucitar el disco de vinilo.

Amy Winehouse, U2, Madonna o la controvertida Lady Gaga comparten estantería en la sección de LP (Larga duración en inglés) con las reediciones de Radiohead, Oasis, The Beatels o Bruce Springsteen.

Vinilo Madonna "Hard Candy"

Vinilo reedición concienrto Alemania 2001 de Radiohead

Una de las principales razones que dan la mayoría de consumidores es la calidad del sonido. Muchos de nosotros, incluyendo la que suscribe, recordamos los años en los que la música tenía agudos, graves y un inconfundible sonido de fondo a huevo frito. Los actuales formatos digitales han acabado con la esencia de la música que disimula la pérdida de calidad con un progresivo aumento de volumen.

Mientras que los tocadiscos son capaces de reproducir los sonidos a 33, 45 y 78 revoluciones. En el formato digital prima la capacidad que los ficheros ocupan, y no la calidad. La principal ventaja es la cantidad de archivos que se pueden almacenar. El vinilo es capaz de reproducir valores de onda de forma infinita a diferencia del sonido digital que tiene una frecuencia limitada. Es por esto que somos capaces de escuchar un disco de forma mucho más auténtica en un disco de vinilo que un CD.

El vinilo resucita no sólo un modo de escuchar música sino una forma de entenderla.

Actualmente, la música se descarga en casa no es necesario salir a comprarla. La apuesta por la vuelta al LP reaviva la cultura de adquirir música no sólo por su sonido sino por el objeto que se adquiere. El formato, el libro con las canciones del artista, las fotografías, forman parte de la cultura musical tanto como la propia música en sí. Las descargas en internet hacen que no sólo se pierda la calidad en el sonido sino también que los artistas sean menos creativos a la hora de editar sus trabajos.

El CD carece de valor cultural. La piratería y la falsificación han hecho que, como objeto, pierda todo su valor . La mayoría de los consumidores de música prefieren, por el momento, descargar archivos en el ordenador pero cuando se trata de invertir dinero la tendencia se generaliza en pro del vinilo.

En contra

No son pocos los detractores de este nuevo resurgir del formato retro al panorama musical. La primera crítica es evidentemente, el factor económico. La industria es la primera favorecida al relanzar este formato por el precio que puede cobrarse por él, mientras que el margen de beneficios con las descargas legales es mucho menor.

Otro de los principales problemas que plantea el vinilo es su fabricación. El vinilo se hace con petróleo y por tanto su precio puede ser susceptible de profundos cambios a la larga, además de las connotaciones ecológicas que el uso del petróleo implica.

Fábrica de Vinilos en Brasil

BSO relacionada

Esta semana es necesario hacer especial mención a la BSO de la última película de Quentin Tarantino. Si la crítica de la película Malditos Bastados no puede ser más halagadora, la BSO es de todo punto indiscutible. En el score del film ha participado el siempre genial Ennio Monricone que ha puesto sentimiento al cine desde hace más de 40 años. Desde Cinema Paradiso hasta My blueberry nights la música, producida por el genio italiano, nos transporta hasta a la imagen, de forma absolutamente conmovedora.

La BSO de esta semana tiene un encanto especial, no sólo por que el autor se haya aliado con otro genio indiscutible del cine, sino, porque además las canciones de Malditos Bastardos son un recopilación de las BSO de grandes películas clásicas como La batalla de Argel’ o El halcón y la presa.

Mucho tiene que agradecer el film a la BSO. La combinación de la pausada musicalidad en algunas escenas, el sonido retro y el toque surrealista aportado por Cat People de David Bowie se combinan dando lugar al contexto perfecto para que Tarantino nos haya regalado su obra maestra.

Para disfrutar de algunas de las joyas que Ennio Monricone ha legado al cine os dejo sólo tres famosas BSO: Malditos Bastardos, Cinema Paradiso y Por un puñado de dólares.